「歷史上有幾位女性，在現代時裝裡費盡心力、影響甚遠…. ，香奈兒女士，讓女人從華麗不凡走上了極簡，改變了女人原本想要的穿著方式；而川久保玲則轉動了輪子，轉換女人對衣服原本的看法。」Judith Thurman 2005年在《紐約客》曾評論道。

這是一場說不完的故事，從噓聲到掌聲，她的理念獨排眾議帶領世人走了40幾年，即便以下還有許多的不完全，但透過許多文獻參考整理，這些都是你我都該知道的川久保玲和Comme des Garçons。

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1969年，川久保玲（Rei Kawakubo）開創品牌，1973年成立Comme des Garçons公司。

 

1981年，川久保玲來到巴黎，與山本耀司開啟了一場“反時尚”的盛宴：他倆用服裝試圖打破社會規範與約束，反對西方對身體的刻板印象和為取悅男性而存在的雍容華貴，服裝可以是為了女性的自尊與表達自我而存在。

對於川久保玲來說，她的角色更顯得貴重，畢竟在早期的日本社會當中，女性必須去接受自己的家庭角色，而擁有大學學歷的川久保玲擁抱工作的選擇亦被視作對傳統的反抗，根據日本時尚評論家於1990年的訪問，川久保玲解釋了關於這點：「當我年輕時，大學畢業的女生去做跟男生一樣的工作是很不尋常的，當然，女生的薪水也不會跟男生一樣，我反抗這點…我永遠不想失去反叛的能力，我對此感到不滿，甚至憤怒，因為這些都成了我的能量…。」

於巴黎的伸展檯上，她和山本耀司用服裝不停的創造新的對話，無論是在身體的輪廓、性吸引力、性別詮釋、樸實無華的黑色..等，「川久保玲展現了及踝的縮衣褲，將束腰外衣改造成圍巾，Oversized的大衣和幾乎無形狀可言的針織衫，上頭還帶著洞。」這般黑色時尚，其布料看似是千瘡百孔、參差不齊，卻又是經過縝密的心思所籌劃出來的愜意設計，也因此她所吸引的群眾稱作「黑烏鴉（black crows）」。

1982年的「Holes」系列，奠定了爾後反時尚/華麗的基礎，川久保玲曾說：「我喜歡惡搞布料。」甚至將被這些鉤破的布料稱作“新版蕾絲”，引用《The Study of Comme des Garçons》內文表示：「1983年，《PARIS MARCH》雜誌所寫下『所費不貲的襤褸服』，並標示破洞毛衣2500法郎（折合新台幣約13150元，換算匯率1法郎=5.26新台幣）。」

有人說這是她對於貧窮主義或是廣島原爆的呈現，但她回答，這只是反應她的內在，如乞丐的裝扮亦是因紐約的流浪婦人所來，她不諱言認為這是最理想去置裝的女性。「時尚設計並非關於暴露或是強調女性的身軀，其目的應該是要人能夠做自己。」

1983年，品牌已於在巴黎和紐約展店，巴黎依舊被被川久保玲所驚豔，此時她用外界從來沒見過的輪廓線條，你可以說是衣冠不整，甚至是陰陽錯位，畢竟任誰都沒到你可以用「盤根錯節」來形容服裝，一場名為「Patchworks and X」的系列，挑戰了典型的服裝輪廓。

1984年，紐約FIT流行設計學院以「Three Women」為題開設服裝展覽，將美國設計師Claire McCardell、法國設計師Madeleine Vioonet和日本設計師川久保玲Rei Kawakubo的作品聚在一起，無疑這是她對時尚的貢獻（巨大衝擊）的一大認可。

1988年，Comme des Garçons出版了雙季刊《Six》雜誌，如同前衛攝影作品集般，結合藝術、時尚與攝影。這是川久保玲從服裝跨越到影像的起點，請來如今都已成大師（像是Peter Lindbergh、Arthur Elgort和André Kertész…等）前來掌鏡，時而以人像或拼接對比的手法傳達Comme des Garçons的內在。

1988年，在《芝加哥論壇報》的報導中，川久保玲受訪時表示：「設計反映創作者個性是毋庸置疑的事實，即便我不認為自己是嚴酷嚴謹，但非得要我形容傢俱設計的本質，那就是“簡單明瞭（simplicity）”。Comme des Garçons的傢俱帶著真實的本性，當你放置在一個不那麼炫耀做作的環境時，像是，沒有約束的走廊或是入口大廳，人們可以更能享受它們。」早在1984年，為了能有與店內服飾相符合的傢俱，川久保玲就開始與Toshiaki Oshiba合作，當然，她不會因為物料好用或易用而選擇，「我選擇某種物料的原因往往僅因為我喜歡這樣的物料。就像我的衣服一樣…。」

曾為川久保玲舉辦傢俱展的Barry Bursak評論道：「說這些椅子不舒適其實是不正確的，相反地，他們很精緻，當你坐在上面時，它們會讓你產生特殊的姿態，一種優雅的姿態，從這個方面思考，這些作品是無可比擬的。」

1989年，川久保玲請來藝術家、音樂家和演員來擔任秀上模特兒，舉凡設計師Alexander McQueen（1997）、藝術家Basquiat Jean-Michel（1987）、男演員John Malkovich（1989）…等，引用垃圾電影教父John Waters自傳中所述：「（在定裝時（1993年））她的助理向我介紹川久保玲，我告訴她我很榮幸能夠來這裡，然後求她不要讓我戴帽子（John Waters覺得沒人比他戴上這頂帽子更蠢的了），她眉頭深鎖，一言不語，之後把我的帽子換成不那麼荒唐的款式。我突然覺得，搞屁啊！她把我飛來這裡，搭頭等艙，付錢讓我走秀，還給我免費的衣服穿，我還這樣對她說話？拜託就閉嘴吧我自己，戴上那頂帽子，別人叫你做什麼就做吧。」

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1991年，「Chic Punk」1991秋冬系列，應証了川久保玲的叛逆與「龐克Punk」的息息相關，服裝後頭潦草「Rebel」的字樣，很難得，這場秀淺顯易懂傳遞著她川久保式的「反」哲學，但更重要的，「龐克Punk」就此成了川久保玲服裝設計的另一個元素要點。《AnOther Magazine》曾有企劃講述川久保玲的“粉紅時刻”，他們沒提到的事，1991秋冬的「Chic Punk」也有此徵兆出現。（而此系列，亦在甫剛結束的東京「闇市 Black Market」Pop-Up出現復刻。）

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1991年，這是第一場川久保玲與山本耀司聯合在日本發佈男裝系列「6.1 The Men」，他們將1991年秋冬系列搬回日本聯合發佈，找來音樂家、演員和創作人士共同演繹，故事發生在6月1日，所以有6.1之稱。主題是「War」，回顧當時的背景，正值海灣戰爭期間，系列有著濃厚的反戰氣息，而據說請來的走秀人士還有人打架進醫院，山本耀司不得已請自家法國員工上陣，這場秀的經典，亦被被評論家稱為山本耀司與川久保玲男裝的巔峰之作。

1992年，其名為「Lilith」的1992秋冬系列。Lilith是在眾多神話當中擁有不同身份的女神，暗藏著黑暗與強大女性之意。「正是『憤怒的性』，將女性性別化為形體的系列」，引用《The Study of Comme des Garçons》內文表示，「川久保玲以Lilith為系列命名，刻意選用黑色（舞台、天幕都是一片漆黑），而是無所不用其極：包覆起手臂和胴體、沒有袖子的夾克或毛衣、限制行動的黑衣服女性身上。她獨自一人對抗剝奪自由、強迫服從的強權，縫製女性能夠起身迎戰的服裝，這就是該季系列的主題。」根據美版《Vogue》的評論指出，曾演出《破產姐妹》的喜劇演員Sandra Bernhard當年也參與這場秀，她說：「川久保玲讓我穿上了男性的西裝，比起穿上女生的衣服，她喜歡我穿這樣穿。」（未來的「Blue Witches」貌似也與此系列相做呼應。）

1994年，CdG發佈了首款香水，在巴黎麗池飯店前的游泳池畔，彷彿尿液般用塑膠袋裝著，其香水的概念和廣告標語是「A perfume that works like a mdicine and behaves like a drug.」並註明其味道：如煤油、烘乾衣物、燒灼的橡膠、膠帶和工業用膠水一樣。

1994/1995年，川久保玲在1995春夏/秋冬系列上，前者解構了西裝和裙子，以「Transcending Gender」告訴世人，男人可以穿裙子，女人可以穿西裝，但卻沒人能定義台上的確切之物是什麼；後者高明的解構了袖子，用看似甜美的裝飾來打扮女性，主題環繞「Sweeter than Sweet」，是可愛也是枷鎖，那無法動彈的雙手成了必須遵守的價值觀，綜觀這1995年這兩季的闡述，倘若能走出服裝/價值觀的影子，世上無需定義袖子、不再界定何謂男子漢或是溫柔賢良，這就是川久保式的啟發。

在2004年，她接受《i-D》訪問時表示，「如果你拿燕尾服為例子，它的剪裁已經延續了世紀之久從未變過，我對它有非常強烈的意念。它長久以來都被穿，非常的舒適，可基於它經典的外形，你可以全然地改造但同時又擁有其老物的真誠。我所認為的品味，是你可以重複重複一直穿的事物，經常到這已變成你的風格，這也是為什麼我對制服概念情有獨鍾，因為當你一穿再穿時，它便成了你的一種表達方式，」

1996年，「Body Meets Dress, Dress Meets Body」1997春夏系列，這場秀沒有背景音樂，也沒有如道路般的伸展檯，寂靜當中只存在啞然，直到有位攝影師脫口說出：「鐘樓怪人（Quasimodo）。」才讓世人的謎與不解瀰漫全場。這些腫塊沒有特別的意思，僅僅就是用服裝創造新的身體輪廓，如同難以解釋的超現實主義般，沒人能特別說它們是代表什麼，美麗如花苞？醜惡如腫塊？孕婦？還是維倫多爾夫的維納斯（Venus of Willendorf）？川久保玲單純用未來來詮釋服裝與身體的關係，如果身體能藉由意志力鍛鍊，那服裝也能藉由想像力改變。（這一腫，也影響爾後2010秋冬和2015秋冬系列，川久保玲讓它隨著時間和心境進化。）

1997年，Merce Cunningham名為「SENARIO」的舞蹈讓川久保玲的腫塊裝延伸到了藝術界，兩者相輔相成，觀眾的眼睛離不開舞者身上的衣服，亦離不開舞者，腫塊顯然是他們身體的一部份，隨著跳躍、舞動和平衡，賦予每個舞者更獨一無二的特徵，更浪漫的說法是，「它們與Merce Cunningham的舞蹈結合後，才注入了新生命甦醒。」

2001年（2002春夏系列），美國阿富汗戰爭於10月7日開打，川久保玲在開秀前選擇讓模特兒們戴上從法國《世界報》的報紙頭條製作而來的服貼頭飾，來傳達自己政治理念，老公Adrian Joffe在秀後強調：「裡頭沒有任何玩笑成分。」

2003年（2003秋冬系列），反戰思潮又再度回到川久保玲的秀上，只不過這次多了一點掩飾，試圖用幽默鞭策世人，在她擅長的格紋系列當中，模特兒身上多了形似於逃難包袱的東西，時不時有著與日本康泰納仕集團國際時尚總監Gene Krell合作的標語「The majority is always wrong.」、「Conformity is the language of corruption.」和「Viva the 1%.」暗喻著戰爭的不平靜。（延續她一概反對恐怖份子的作風，舉凡2015春夏、2016秋冬的Homme Plus系列男裝，都是在宣揚無戰爭的和平思想。）

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2005年，「Broker Bride」2005秋冬系列，川久保玲宣稱她的婚姻是反保守主義的，她用服裝說了大家不願面對的真相，致使世人無不對這傳說中的婚紗系列歌功頌德，背景以傳統“聽似”神聖的婚禮音樂為主Key，襯著吉普賽、墨西哥、猶太人..等其他民族的音樂。「這不單只是一場關於婚禮的秀，即便這字是大家首要聯想到的，可藉由打破傳統婚紗的規則、藉由訊息的傳遞，當中有個更深層的訊息油然而生，婚姻不一定都是快樂的。」Adrian Joffe在2005年接受訪問時表示：「這場秀是因為川久保玲看到GAP櫥窗出現一堆膚淺的黑衣服憤怒而起。」

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2012年（秋冬系列），川久保玲表示：「未來的趨勢是2D（平面的）。」這個大膽的假設彷彿是在諷刺我們將沈溺於眼前的螢幕般，娃娃裝帶著許多童趣的色彩，也有很多大人的印花。已故的街拍大師Bill Cunningham評論川久保玲的娃娃裝讓他聯想到畢卡索的紙板雕塑般，這無疑是她最女性化的系列之一？或許視女性為玩物也是設計師所想嘲諷的點？來到後台時，川久保玲說：「把它變成新的。」這般神秘的話語讓Suzy Menkes思考許久，比起現在的設計師僅以重塑過往剪裁加以變化造型，川久保玲用不同於黑的顏色和全新的輪廓開啟了另一個對話，這些娃娃裝如同一種加持，除了讓人挺過日趨無聊的時尚界，更進而影響到往後2017春夏的系列。

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2013年（2014春夏系列「Not Making Clothes」），川久保玲進入到了另一個世界。比起過往動輒超過30、40套的服裝，這些看似活動藝術的服裝系列成了精簡豐富的表達。美版《Vogue》評論：「這大概是設計師走最遠的一次。」川久保玲受訪時則說：「如今，創新的唯一方法就是別送設計衣服（Design Clothing）出去。」這樣的戲劇化比起以往多了情緒展現，隨著不同音樂和妝髮，一切都是值得細細品嘗反覆尋味，這系列教導了我們一件事，別急著去問創作者的意圖，在沒有絕對答案的情況下，有時體悟的過程反而更顯珍貴。

如果說把她叛逆的性格在此做一個解釋，就是這成了她對現下商業化的不屑，比起設計師束縛於品牌和銷售數字，「她是終極的，這系列象徵去你媽的短視近利，這或許解釋川久保玲的動機，無論對誰來說，往後這系列的影響和意義是長久深遠的。」編輯Jo-Ann Furniss這樣的評語倒也深得人心。

 

她在近期接受《Bof》訪問時表示：「這是唯一的方式能讓我繼續做我想做的。」

 

在《System》雜誌第二期的專訪中，川久保玲更深入的表達這一切：

「去逛博物館和美術館、看電影、和別人聊天、去逛新的店鋪、翻閱無聊的雜誌、對街上人們的活動感興趣、端看藝術、旅行，上述這些事情是沒有用的，對我來說一點幫助都沒有，無需給予我任何直接的刺激來幫助我尋找新的事物，時尚歷史也一樣，原因是這些東西都是已經存在的。

我只能等待全新的事物由內而發，其過程會從一個暫定的『主題』開始，我會在腦中創造一個抽象的畫面，採自相矛盾、不尋常之法，反我曾經所用之道而行，我打破服裝穿的概念，所思考的是世間萬物都能被用作服裝。我給予自己限制，所追求的是束縛，所望的是只有點滴微光的世界，我需要隔離自己，因為迄今所有的製衣方式都是不好的。我常給自己這條準則：沒有任何新的事物可以在自由或是毫無痛苦的狀況下產生。

為了設計 14 春夏系列，我想改變一般的思考路線，我嘗試用不同的方式去看待這一切，我想到了一個方式，就是用我不是在做衣服的意念去開啟這一切，因此，我開始去思考、感受並且觀察，猶如我不是在製衣般。」

從此之後，這些彷彿高級定製服的概念系列代表著她的創作，大都會時裝學院院長Andrew Bolton表示：「人們總認為她是後現代主義者，因為她使用了看似解構的處理方式。但這只是她在尋找原創性或新穎的路上所使用的詮釋方式。」幾年之後，或許未來她又將會改變，因為她只會不斷創新。

2014秋冬「MONSTER」
2015春夏「Roses and blood」
2015秋冬「The ceremony of separation」
2016春夏「Blue Witches」
2016秋冬「18th Centery Punk」
2017春夏「Invisible Clothes」
2017秋冬「The Future of Silhouette」

2017年，美國大都會博物館5月的Met Ball服裝學院募款晚宴將以〈Rei Kawakubo / Comme des Garçons: Art of the In-Between〉為題舉辦川久保玲回顧展，除了《Vogue》，《Bof》特約編輯Tim Blanks和川久保玲進行了另一場對話，當中川久保玲提問：「你確定人們不知道Comme des Garçons的會想來？」她懷疑道，「我不期待任何人來。」Tim Blanks告訴她當初Alexander McQueen的盛況（《Alexander Mcqueen：Savage Beauty》的參訪人數為歷史第8高），她問：「人們不是更了解McQueen嗎？」Tim Blanks回應說：「完全沒有，我去的時候有和一對年長的夏威夷夫婦聊天，他們受到博物館和展覽魅力所吸引，所以理當大家也會為了Comme des Garçons來。」川久保玲沈思道：「新的觀眾….或許在Met辦展有一點意義了。」她接著說，「我希望藉此能教導（不懂CdG的）人們全新的美感，用其他的價值來看待各種不同的美。」

而這場展，為大都會博物館迎來了超過 56 萬人….。